OKINAWA
plongé au cœur du bleu

La teinture indigo implique des réactions d’oxydation et de réduction, et les levures favorisent le processus. L’awamori va venir les nourrir. En maîtrisant l'environnement et en veillant à ce que la teinture reste jolie et gaie, on s’assure un résultat réussi. Teindre à l’indigo est cher et demande beaucoup d’efforts si on veut en tirer le meilleur parti.

Le bain permet à la couleur de pénétrer les fibres. À ce stade, le tissu est encore jaune.

En sortant de la cuve, il est exposé à l’air, puis à l’eau, et se pare finalement d’une teinte bleue rafraîchissante.

À Okinawa, poterie se dit yachimun. Popularisé dans les années 1920 avec le mouvement Mingei mené par Soetsu Yanagi et Shoji Hamada, le terme est devenu très courant, évoquant l’un des artisanats iconiques d’Okinawa. Mais ce qui a incité Koji à se consacrer à la fabrication de yachimun, c’est la poterie okinawaise encore plus ancienne.

« Okinawa est une terre de poterie depuis le XVe siècle, époque du royaume de Ryûkyû. Si les céramiques du reste de l’archipel étaient influencées par le nord de la Chine et la péninsule de Corée, à Okinawa, l’influence venait clairement du sud de la Chine, du Vietnam, de la Thaïlande et de l’Asie du Sud-Est dans son ensemble. Nous sommes une région du Japon mais le fait que nos céramiques étaient empreintes d’autres cultures nous confère une place à part. Cette influence se lit clairement dans les motifs karakusa, très proches des arabesques du Vietnam. »

Originaire de Kyoto, Koji a rejoint les bancs de la Okinawa Prefectural University of Arts en 1986 avec la promotion inaugurale. Sa première année se révéla très décevante.

« Je voulais partir de ma ville d’origine. Une nouvelle école d’art ouvrait à Okinawa alors j’ai saisi l’occasion : j'ai déménagé et je me suis inscris pour apprendre l’artisanat. À l’époque, je pensais que les études de design ou de peinture se faisaient en ville, et celles des métiers artisanaux plus à la campagne. Une fois sur place, je me suis confronté à une réalité bien différente. Je ressentais une affinité pour les tombeaux et châteaux anciens, mais je n'avais aucune idée de la façon d'aborder le yachimun qui m’entourait. »

Le déclic s’est produit en deuxième année. Dans le cadre de l’un de ses cours avec Jissei Omine, maître potier et professeur adjoint à l’université, Iki fit la « rencontre » d’un trésor prêté à sa classe par le musée culturel de Shuri.

« C’était un makai* blanc neige froid de l’époque du royaume de Ryûkyû, début XIXe. Dès l’instant où je l’ai aperçu, j’ai su ce que je faisais là. Ce qui m’a vraiment accroché, ce sont les karakusa peints sur le vernis blanc. Ce n'était pas une tasse à thé japonaise que j’avais devant les yeux, c'était comme si toute l’Asie se tenait là devant moi, dans cet objet-là. Mon projet de fin d’études consistait en une tentative de reproduire ce fameux vernis blanc. »
* « tasse », en dialecte okinawais

Insufflant une notion de lieu dans ses créations et influencé par son professeur, Koji a commencé à utiliser le bleu de Perse.

Série bleu de Perse. Les couleurs contrastantes sont sublimes. Les petites assiettes sont vendues à partir de 2 750 yen (environ 30 $).

Une création vibrante utilisant un épais vernis cobalt. Non disponible à la vente.

Pichet Pélican et verre. La teinte bleu Ramune est immaculée.

Cette teinte, c’est tout simplement celle du verre que l'on récupère sur les chantiers pour le recycler. Depuis notre création en 1952, nous avons toujours utilisé du verre recyclé. Dans le chaos du Japon d’après-guerre, les ressources étaient rares, notamment le matériel de rebut, mais nous nous sommes débrouillés en réalisant des objets à partir de bouteilles de jus fondues, ce qui n'a pas manqué de piquer l'intérêt des soldats américains. De là, nous avons aussi testé l’utilisation de bouteilles de saké vides et, depuis que j’ai intégré l'entreprise il y a maintenant 25 ans, nous utilisons du verre usagé d’immeubles et bâtiments. Ce qui n'a pas changé, en revanche, c’est que nous conservons systématiquement la teinte de la matière de base, telle quelle.

Pour illustrer son propos, il nous montre une paire de burettes, l’une d’aujourd’hui, l’autre sortie de leurs ateliers il y a 25 ans et réalisée à partir de bouteilles de saké. La différence est claire.

Verrerie d’il y a 25 ans (à droite) et d'aujourd’hui (à gauche).

Un lot tout frais de verre issu de chantiers. C’est de là que le verre tient sa teinte bleu Ramune.

« À l’époque, on était simplement contraint par la pénurie de matière. Nous n'avions d’autre choix que de nous tourner vers le verre usagé, et nous ne considérions même pas ça comme du recyclage. Avec le recul, je suis bien content que les choses se soient faites comme ça. C’est une couleur douce et apaisante. Une couleur magnifique. Le verre recyclé prend plus de temps et d'énergie que le verre conventionnel à être produit puisqu'il nécessite au préalable d’être lavé et trié mais, pour nous, verre de Ryukyu rime forcément avec matières recyclées. Il refroidit aussi forcément plus rapidement mais, si on travaille en connaissance de cause, on est efficace. »

Uesato se remet au travail sur son pichet Pélican. Plongeant sa canne dans le creuset, il prélève une boule de verre en fusion et souffle. Grâce à savoir-faire et son expertise, il est capable de sortir un bec et une poignée en 10 minutes.

Uesato tenant une boule de verre en fusion. Utilisant son souffle et la gravité, il modifie la forme du verre en un claquement de doigts.

Cette teinte, c’est tout simplement celle du verre que l'on récupère sur les chantiers pour le recycler. Depuis notre création en 1952, nous avons toujours utilisé du verre recyclé. Dans le chaos du Japon d’après-guerre, les ressources étaient rares, notamment le matériel de rebut, mais nous nous sommes débrouillés en réalisant des objets à partir de bouteilles de jus fondues, ce qui n'a pas manqué de piquer l'intérêt des soldats américains. De là, nous avons aussi testé l’utilisation de bouteilles de saké vides et, depuis que j’ai intégré l'entreprise il y a maintenant 25 ans, nous utilisons du verre usagé d’immeubles et bâtiments. Ce qui n'a pas changé, en revanche, c’est que nous conservons systématiquement la teinte de la matière de base, telle quelle.

Pour illustrer son propos, il nous montre une paire de burettes, l’une d’aujourd’hui, l’autre sortie de leurs ateliers il y a 25 ans et réalisée à partir de bouteilles de saké. La différence est claire.

Verrerie d’il y a 25 ans (à droite) et d'aujourd’hui (à gauche).

Un lot tout frais de verre issu de chantiers. C’est de là que le verre tient sa teinte bleu Ramune.

« À l’origine, ce pichet était inspiré d’une pièce d’un verrier italien. Il y avait des artisans sur l’île principale du Japon qui en produisaient aussi, mais ils ont arrêté. Un peu plus tard, un client a contacté mon professeur Masao Tobaru pour lui en commander un, et c’est là que l’aventure a commencé. Cette pièce est extrêmement complexe à réaliser. Il m’aura fallu attendre 10 ans pour que mon professeur accepte de me passer le relais. Si vous manquez une seule étape, elle se casse. »

Laisser les matières exprimer leur vraie couleur confère à ces pièces une beauté certaine, qui perdure au fil du temps. Ne reste plus qu’à espérer que cette tradition – pas uniquement l’utilisation des matières, mais également des techniques pour les faire rayonner – se poursuive à l’avenir.

Dans un moment de vérité, le rebord est habilement modelé et le bec apparaît.

Exemples de créations passées, dans une variété de formes autres que le Pélican.

Veste UNIFORM BLUE. L’esprit bleu de travail s’accorde parfaitement avec le décor des ateliers d’Okuhara Glass.

• Veste de travail en denim